Biografías autores.

1.Claude Debussy.

(Claude Achille Debussy; St. Germain-en-Laye, 1862 - París, 1918)

 Compositor francés. Iniciador y máximo representante del llamado impresionismo musical, sus innovaciones armónicas abrieron el camino a las nuevas tendencias musicales del siglo XX.

2.Erik Satie.
Cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie( Honfleur, 17 de mayo de 1866 - París,  1 julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. Precursor del minimalismo, el serialismo y el impresionismo, es considerado una de las figuras más influyentes en la historia de la música.
Además de precursor minimalista, serialista e impresionista, es considerado precursor importante del Teatro del absurdo y la Música repetitiva. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

3.George Gershwin.
George Gershwin (Brookyln, Nueva York, 26 de septiembre de 1898 - Beverly Hills, California, 11 de julio de 1937), con nombre de nacimiento Jacob Gershovitz, fue un compositor estadounidense.

4.Igor Stravinski.
Ígor Fiódorovich Stravinski  (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX

5.Arnold Shönberg.

Arnold Schönberg (Viena, 13 de septiembre de 1874 – Los Ángeles, 13 de julio de 1951) fue un compositor, teórico musical y pintor austriaco de origen judío. Desde que emigró a los Estados Unidos, en 1933, escribió su apellido con la otra grafía alemana posible, Schoenberg.

Es reconocido como uno de los primeros compositores en adentrarse en la composición atonal, y especialmente por la creación de la técnica del dodecafonismo basada en series de doce notas, abriendo la puerta al posterior desarrollo del serialismo de la segunda mitad del s. XX. Además fue fundador de la Segunda Escuela de Viena.

6. Olivier Messiaen.

Olivier Messiaen (Aviñón, 10 de diciembre de 1908 - Clichy, Île-de-France, 27 de abril de 1992) fue un compositor, organista yornitólogo francés. Ingresó en el Conservatorio de París a la edad de 11 años, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupré,Maurice Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santa Trinidad de París en 1931, puesto que ocupó hasta su muerte.

7.John Cage.

John Milton Cage Jr. (Los Ángeles, 5 de septiembre de 1912 - Nueva York, 12 de agosto de 1992) fue un compositor, instrumentista, filósofo, teórico musical, poeta, artista, pintor, aficionado a la micología y a su vez recolector de setas estadounidense. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX.^1 2 Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación el coreógrafo Merce Cunningham, quién fue su compañero sentimental la mayor parte de su vida.

8.Luciano Berio.

Luciano Berio (Imperia, 24 de octubre de 1925 - Roma, 27 de mayo de 2003) fue un compositor italiano clásico y uno de los principales representantes de la vanguardia musical europea. Es reconocido por su trabajo en la música experimental, particularmente su Sinfonía para orquesta, y también fue un pionero en la música electrónica.

9. Gyorgi Ligeti.

György Sándor Ligeti fue un compositor húngaro judío (que residió en Austria y luego se naturalizó), ampliamente considerado como uno de los más grandes compositores de música clásica (sobre todo instrumental) del siglo XX.Nació en Dicsőszentmárton (la actual Târnăveni en Rumania) el 28 de mayo de 1923 y falleció en Viena el 12 de junio de 2006.

Comentarios de texto del siglo XX, XXI y XXII

• Relato de un testigo presencial del estreno en París de La Consagración de la Primavera
Papeles volando, una princesa indignada y un embajador al borde de la neurastenia, el coreógrafo explicándose a gritos, incluso un aficionado siguiendo los ataques de la percusión sobre la cabeza de un crítico; y el compositor escuchando detrás del cristal. El ballet de La consagración de la primavera, con música de Igor Stravisnky, coreografía de Váslav Nijinsky y producción de Serguéi Diáguilev. El 28 de mayo de 1913 en Paris tuvo lugar un “espectáculo extraño, una barbarie trabajada, que el público del [Teatro] Campos Eliseos acogió sin respeto”, al menos eso dejó dicho el corresponsal de Le Figaro, llamado Henri Quittard. La crítica musical de este periódico, junto con la del buen gusto oficial parisino, cargaron las tintas contra esta obra que influyó en el jazz posterior, la música experimental y la electrónica.
Si se trata del último episodio de burguesía escandalizada por las vanguardias históricas no viene al caso cuando tres años después se fundaba Dadá en Zurich. Sin embargo, sí se ha de anotar que entre los asistentes al estreno estaban Jean Cocteau, Coco Chanel o Pablo Picasso, quien en 1913 estaba llevando a cabo su propio avance sobre el cubismo. Se esperaba un escandalazo. La crítica de Le Figaro estalló en bilis contra Nijinski: “No tiene nada que decir (…) sus composiciones cada vez van a parecer un poco más ridículas, está muy claro que no es su culpa”. La batalla estaba servida hacía tiempo, y ya se sabía que las vanguardias llegaban a cambiar a la burguesía desde dentro de la burguesía. Los resultados de esa tarea no vienen al caso hoy.Nijinski, el coreógrafo, que trabajó La Consagración de la Primavera durante extenuantes jornadas, dispuso unos movimientos a la altura de la música: imprevisibles, salvajes, tiernos y reales. El sentido de primitivo que la crítica ha adoptado a menudo como sinónimo de arcaico porque no se ciñe a la tradición occidental, explota en la obra en una serie de movimientos que tienen tanto de primitivo como de pasos hacia un momento primordial o divertirse casi hipnotizado en una fiesta eslava o una rave. Primitivo también como lo es comer, beber y ese tipo de cosas. Y primitivo como pueden serlo la violencia y la muerte.La escenografía y el vestuario de Nikolai Roerich, perfectamente modernas a su modo, y las escenas de erotismo, demasiado implícitas hoy para que un vistazo rápido nos lleve al archivo social del sexo, también contribuyeron a que la platea se volviese irrespetuosa, en palabras de los representantes de la Academia. La representación, no obstante, terminó, y cuentan que incluso se oyeron tímidos aplausos al final.
• Crónicas The Time de Londres, tras el estreno de Las Cinco Piezas para orquesta, de Schönberg.
Como la pulverización de la tonalidad creo un sentimiento de inseguridad.
La pieza evoluciona el concepto de "cromatismo total" y fue compuesta cuando Schönberg atravesaba una intensa crisis personal y artística, lo cual se ve reflejado en las tensiones y la violencia, en ocasiones extrema, de la partitura. A momentos inestable e inquietante, la música posee un paralelo particular con el movimiento expresionista de la época, en particular su preocupación por el subconsciente y la locura incipiente.
La obra fue recibida con azoramiento por parte de la prensa y el público. No había mucha 
gente entonces que comprendiera el nuevo lenguaje. Ahora que han pasado muchos años, comprendemos mucho mejor los nuevos sonidos y procedimientos.

Estos textos se podrían resumir en una frase: El miedo a las nuevas ideas.

• John Cage

Para él no era nada malo innovar el pensaba que no era necesario destruir el pasado que al cambiar las cosas no era necesario perderlas y el veía el pasado como algo que se había ido pero que podía volver en cualquier momento. Él no entendía porque la gente se asustaba de las nuevas ideas, a él le asustaban las viejas.

CUADROS ARTE CONTEMPORÁNEO

Takashi Murakami ( Tokio, 1 de febrero de 1962) es un artista japones contemporáneo.
En 1993 crea su álter ego Mr.DOB.Murakami surge de la generación Neo-pop japonesa tras el pinchazo de la burbuja económica en aquel país a finales de los años ochenta. Pese a incorporar en su obra elementos de la cultura popular contemporánea de su país en forma de anime(animación) y de manga (cómic), ha continuado bebiendo de las fuentes tradicionales japonesas, desde la iconografía budista o los rollos de pinturas del siglo XII hasta la pintura zen y las técnicas de composición de la pintura excéntrica del período Edo del siglo XVIII; esta última se caracteriza por el uso de imágenes fantásticas y poco convencionales, y por el empleo de una línea expresionista, y suponía un rechazo al realismo y el tradicionalismo de la época. Comienza entonces a ser reconocido fuera y dentro de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional y contemporáneo japonés y el arte pop américano. Empezó a ser denominado el Andy Warhol japonés. En 2009 expuso en el Museo Guggenheim de Bilbao. 

Retrato de Mao Zedong y de Marilyn Monroe de Andy Warhol (1972)
Andy Warhol desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura ,cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood , drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción. Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.
Este retrato se realizó en la época de los 70 que fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en emprendedor.

Ilustración de Tim Burton El Chico Robot y Ojos Clavo.
Timothy "Tim" William Burton (Burkank, California; 25 de agosto de 1958) es un director,productor, escritor y diseñador estadounidense. La mayoría de sus obras se han caracterizado por la presencia de mundos imaginarios donde suelen estar presentes elementos góticos y oscuros cuyos protagonistas suelen ser seres inadaptados y enigmáticos.
Artista excelente y con muchos fans, es un gran ilustrador, sobretodo creador de personajes, inocentes y amargos al miso tiempo, dulces víctimas y villanos con ternura. 

El beso de Gustav Klimt. Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos y fondo dorado. Está expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena. En la bibliografía reciente se ha interpretado este lienzo, desde la óptica de la iconografía, como una representación simbólica del momento en que Apolo besa a la ninfa Dafne que se está convirtiendo en laurel, de acuerdo con el relato de la metamorfosis de Dafne que se encuentra en la obra de Ovidio. Esta obra se completa con la del friso de Klimt en el comedor del palacio Stoclet de Bruselas, en el que la metamorfosis de la pareja se consuma y nace un nuevo laurel. Esta perspectiva, apoyada en la literatura, da un sentido a esta obra de Klimt en un contexto iconográfico, no sólo metafórico, de la historia del arte.

El hijo del hombre de René Magritte.

Significado de el personaje: 
Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana. Significado de la niebla: 
El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje. Aunque Magritte negaba que su pintura tuviera simbolismo, pero se le considera surrealista. Los surrealistas tenían a Freud como referente para expresar los sentimientos ocultos y el inconsciente, como si fuera un sueño. Así, la niebla podría simbolizar el estado anímico del personaje. Significado de la manzana: La manzana, según los teóricos, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título. Son las tentaciones de la vida moderna. Significado según el artista René Magritte: Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.

 Más información sobre los cuadros de René Magritte: El bombín, el hombre trajeado y la manzana son elementos normales en las composiciones de Magritte. Así, también hay un lienzo que representa la misma posición pero una mujer, con una flor tapándole la cara. 

El estilo artístico es el surrealismo. 

El impresionismo resúmenes.

LA SOCIEDAD
La Francia de finales del siglo continúa bajo el predominio de la alta burguesía. Tras el Manifiesto de la Comuna de 1871 cunde el pánico entre los conservadores y la represión no se hace de esperar: al mes siguiente son ejecutados partidarios de la revolución. El establecimiento de la III República conduce a una etapa de evolución económica y a la implantación de un gran capitalismo. Esta sensación de inestabilidad es perfectamente compatible con el gran desarrollo técnico y científico que tiene lugar de forma paralela. Cambios en las modas y en los criterios estéticos.

EL ARTE
Tras el impulso Romántico, el valor concedido a la naturaleza desemboca en el Naturalismo, que se ocupa tan sólo de la realidad concreta más precisa y objetiva, se preocupa fundamentalmente de los volúmenes. Será la pintura donde mejor se manifieste tal cambio de perspectiva: el artista, llevando hasta el extremo su ansia de realismo, se propone captar lo figurativo y huidizo en su más pasajera esencia, la luz es manejada a su capricho. Reflejando las vibraciones sutiles que la cambiante luminosidad provoca a cada momento en los cuerpos. La supremacía de la luz sobre la materia, el abandono de la líneas netas y definidas, rasgo notable ya en algunos lienzos de Manet y en la técnica puntillista tan empleada por Seurat, obliga al ojo a efectuar una recomposición. 
El impresionismo se vale fundamentalmente del color para traducir los efectos que la luz provoca en los contornos. Las leyes ópticas que la física había formulado a lo largo del siglo XIX y sus consecuencias inmediatas sobre la desintegración del espectro cromático influyen de manera notable a la hora de elegir; y así, el pintor impresionista prefiere la yuxtaposición de colores. 
Este arte de sensación fue rechazado por el público medio, todavía anclado en la estética naturalista.
Como reacción al realismo nace el simbolismo, movimiento poético que revaloriza lo misterioso y ausente como base del sentimiento de lo bello. El simbolismo aprovecha los recursos ópticos y acústicos y acude a la combinación de las experiencias sensitivas.

Comentario Romanticismo.

Relación entre Liszt y Wagner.

Franz Liszt apoyó la carrera del joven Richard Wagner y fue su máximo promotor.
Se conocieron en 1840 en París, cuando Liszt ya era un pianista muy conocido en toda Europa. El compositor húngaro lo acogió en su residencia de Weimar tras los sucesos del levantamiento de Dresde y la posterior persecución a la que se vio sometido Wagner y organizó su escapada a Suiza, corriendo con los gastos de establecerse en Zúrich. Durante el periodo en el que Wagner estuvo en el exilio, Liszt se encargó de estrenar en 1849 en el teatro de Weimar Tannhäuser y en 1850 el propio Liszt dirigió el estreno de Lohengrin. También le envió dinero de manera regular, le dio consejos y contribuyó a la propagación de sus ideas en ensayos y, principalmente, transcribiendo para piano y publicando obras de Wagner. Fueron los años en los que su amistad fue más fuerte.
Por su parte, Wagner inició una relación extramatrimonial con su hija Cósima Liszt en 1865 y se casaron 1870 en medio de un escándalo y que provocó el distanciamiento entre ambos compositores, unido a sus diferencias políticas. 
En 1883, conmocionado ante la muerte de su yerno, Liszt escribió La góndola lúgubre n.º 1 y 2, R.W. Venezia, y A la tumba de Richard Wagner.
Liszt murió el 31 de julio de 1886 en Bayreuth mientras se celebraba el Festival dedicado a la obra de Wagner.

Comentario de texto Beethoven.

Escribió esa carta para sus hermanos Kaspar Anton Karl y Nikolaus Johann el 6 de octubre de  1802. Relata la deseperación de Beethoven por su enfermedad, la sordera, que ha ido aumentando. Beethoven guardó el documento escondido entre sus papeles privados durante el resto de su vida y probablemente nunca se lo mostró a nadie.

Deprimido y ya incapaz de esconder su afección crecienteBeethoven escribió un documento que guardó luego cuidadosamente, y que fue llamado después "El Testamento de Heiligenstadt".
Es importante recordad que fue encontrado en el mismo escondite secreto de su escritorio, junto a la carta a la Amada Inmortal, escrita en 1812.
En este emocionante documento, Beethoven revelaba su enfermedad y su angustia frente a la misma.  Fue escrito bajo una fuerte presión emocional y una cualidad de impacto muy alta.

La Flauta Mágica.

Jerry Hadley.

Jerry Hadley fue un tenor lírico estadounidense nacido el 16 de junio de 1952 en Princenton, Illinois y fallecido el 18 de julio de 2007 en Poughkeepsie, New York. Uno de los tenores más relevantes de su generación destacado en personajes de Mozart, Stravinsky, Bernstein y el repertorio moderno y en opereta y comedia musical.

Junto a Teresa Stratas y Frederica von Stade grabó la premiada integral de Show Boat de Jerome Kern y Oscar Hammerstein.

Se disparó un tiro en la cabeza permaneciendo ocho días internado antes de su deceso por daños irreparables en el cerebro.

Barbara Hendricks.

Barbara Hendricks (20 de noviembre de 1948, Stephens, Arkansas, Estados Unidos) es una soprano lírica e intérprete de jazz conocida también por su trabajo como activista por los derechos humanos, considerada una notable exponente en óperas de Mozart y como recitalista. Actualmente, Hendricks es ciudadana sueca.

 ha cantado en los teatros de ópera más importantes del mundo: la Ópera de París, en la Ópera del Metropolitan de New York, Royal Opera House de Londres y la Scala de Milán trabajando con directores como Herbert von Karajany Neville Marriner.

En 1987 fue condecorada con la Legión de honor francesa y en 2000 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

Robert Andrew Lloyd.

Robert Andrew Lloyd CBE (nacido el 02 de marzo 1940) es un bajo de ópera Inglés.

 Hizo su debut con el University College Opera en 1969 como Don Fernando en Leonore, la primera versión de Fidelio. De 1969 a 1972 fue Director Bass con Wells Opera Company del Sadler (actualmente Inglés Opera Nacional), y desde 1972 hasta 1982 fue miembro de la Royal Opera, Covent Garden. Él hizo 195 apariciones con la Opera Metropolitana de Nueva York, durante el período de 1988 a 2008.

Ha cantado papeles principales en Glyndebourne y con otras compañías de ópera británica, y ha aparecido en los principales teatros de ópera de todo el mundo. Canta papeles en obras británico, alemán, italiano, francés y ruso (Claggart y el superintendente Budd en Billy Budd de Benjamin Britten y Albert Herring, el sacerdote y el Ángel de la Oración en el oratorio de Edward Elgar El sueño de Gerontius; Sarastro en La flauta mágica, Osmin en el rapto en el serrallo, Rocco en Fidelio, Seneca en la coronación de Poppea, Gurnemanz en Parsifal, Fasolt en Das Rheingold, Don Basilio en el Barbero de Sevilla, Fiesco en Simon Boccanegra, Felipe II en Don Carlos, Arkel en Pelléas et Mélisande, Comte des Grieux en Manon, Narbal en Les Troyens, el papel principal de Boris Godunov). También canta música sacra y ha grabado como solista bajo en el Réquiem de Mozart.

Fue nombrado Comandante de la Orden del Imperio Británico (CBE) en 1991 por sus servicios a la música.

June Anderson.

June Anderson (Boston, 30 de diciembre de 1952) es una soprano de coloratura estadounidense.

Nació en Boston, Massachusetts y fue criada en Connecticut. Inició sus estudios de canto a los 11 años y fue la finalista más joven para el momento, en las audiciones de la Ópera del Metropolitan con 17.

Se graduó en la Universidad de Yale en Francés, y luego decidió continuar la carrera de canto. Participó en numerosas audiciones, pero no obtuvo ningún puesto. Continuó la búsqueda como un reto, dándose un plazo de dos años para lograrlo, en caso de que no lo hiciera entraría a una escuela de Derecho.

Hizo su debut profesional con el papel de la Reina de la noche, de la ópera La flauta mágica de Mozart, con la New York City Opera, en la ciudad de Nueva York en 1978. Su debut europeo lo hizo en Roma, en 1982, en el papel principal de la ópera Semiramide de Rossini. Desde entonces, Anderson ha cantado en los teatros de ópera más importantes del mundo y ha grabado una colección importante de óperas. Cantó el rol de Lucía en Florencia en 1983 y en La sonnambula en Venecia en 1984. En 1986 debutó en la ópera de París, en La Scala de Milán y en el Covent Garden.

En 1989 debutó en el Metropolitan Opera como Gilda de Rigoletto volviendo entre 1990 y 2001 como Lucía, Violetta, Semiramide, Leonora de Il Trovatore y La hija del regimiento y en 1999 en el Teatro Colón como Violetta regresando en 2001 para Norma.

Aunque originalmente se dio conocer por sus interpretaciones en el bel canto, en óperas de Bellini y Donizetti, y particularmente destacada en los personajes de Rossini, ha extendido su repertorio para incluir una gran variedad de roles, más recientemente el de Daphne de Richard Strauss, que interpretó en Venecia en junio de 2005.

Actualmente vive en París, aunque tiene residencias en varias de las ciudades en las que canta frecuentemente.

Fue condecorada con la Legión de honor por el gobierno francés.

Biografía Colin Davis.

Sir Colin Davis (25 de septiembre de 1927, Weybridge, Surrey, Reino Unido - 14 de abril de 2013) fue uno de los directores de orquesta británicos más importantes del siglo XX especializado en Mozart, Sibelius, Beethoven, Elgar y, sobre todo, por la revalorización de la obra deBerlioz.

Estudió clarinete en el Roya College of Music de Londres y logró importantes méritos, como la oportunidad de estrenar la Sonatina para clarinete y piano de Malcom Arnold en 1951 pero no fue admitido en el curso de dirección porque no tenía el nivel de piano requerido. Aun así creó la orquesta del Kalmar con unos amigos, que dirigió él mismo.

En1952, Davis trabajó en el Royall Festival Hall y a finales de los años 50 dirigió la BBC Scottish Orquesta. Tuvo un largo éxito cuando sustituyó a Otto Kemplerer. Al año siguiente reemplazó a Thomar Beecham.

Durante los años 60 colaboró con el Sadler's Wells Opera, la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Sinfónica de la BBC. En 1967 debutó en el Metropolitan de Nueva York. En 1971 sustituyó a Sir Georg Solti como director musical del Royal Opera House-Covent Garden, hasta 1986. Ha actuado igualmente en el Festival de Salzburgo.

Llegó a ser un intérprete destacado de óperas de Michael Tippett; interpretó la primera de TThe Knor Garden (1970, de The Ice Break (1977) y de The Mask Of Time (1984). En 1977 se convirtió en el primer director de orquesta inglés en actuar en el Festival de Bayreuth (consagrado a óperas de Richard Wagner), donde dirigió Tannhauser.

Dirigió la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera en Múnich, donde destacó en las interpretaciones de obras de Mozart, y la Orquesta Sinfónica de Boston antes de ser nombrado jefe titular de la Orquesta Sinfónica de Londres en 1995. Fue director honorario de la Staatskapelle de Dresde. Se especializó en la música de Héctor Berlioz.

Cuadros Romanticismo

1.Félix Antonio Máximo López, primer organista de la Real Capilla de Vicente López Portaña.

Retrato en tres cuartos de Félix Antonio Máximo López (1742-1821), primer organista de la Real Capilla. El músico sujeta con la mano derecha una parte de su composición vocal La Obra de los locos mientras apoya su brazo izquierdo sobre un piano de mesa. Félix Máximo López fue compositor y primer organista de la Real Capilla desde 1805. Se trata de una representación sincera y veraz de un personaje con 78 años de edad que mira directamente al espectador; viste librea (uniforme de la real capilla) y porta bastón.

2. Fantasía sobre Fausto de Mariano Fortuny Marsal.

Velada musical en el estudio madrileño del pintor Francisco Sans Cabot donde el compositor Juan Bautista Pujol (1835-1898), sentado al piano, interpreta su obra Fausto. Gran Fantasía para piano (op. 20) inspirada en la ópera Fausto de Charles Gounod –ópera estrenada en París en 1859-. El pianista está concentrado en la interpretación, rodeado de varias partituras. Tras el piano surgen apariciones fantasmagóricas: una paloma, Mefistófeles y Marta en primer término, mientras que la silueta de Margarita se vislumbra en el fondo del cuadro. Otros dos personajes, los pintores Lorenzo Casanova y Agapito Francés escuchan absortos la música que llena la estancia. Al lado del piano hay varias partituras de gran formato en el suelo y, sobre el piano, otros papeles de música. En la parte inferior del cuadro, junto a su firma, el autor ha escrito una dedicatoria: "Recordan la vostra fantasia del Faust / M. Fortuny / Madrid 1866".